Algunos bailarines parecen como intérpretes naturales, ellos saben como "relacionarse con el público" bailan con energía, se mueven con alegría. No cabe duda que, la experiencia como intérprete, desempeña un papel importante en esto. La práctica en el rendimiento le permite aprender lo que funciona y lo que no.
Bailarines "naturales", sin embargo, parecen saber algo que otros no. Y aquí una lista de "secretos", bueno tal vez estos son consejos y aspectos de baile que a veces no tenemos mucho en cuenta, y son tan importantes como aprender los pasos.
1.- Nunca Bailar solo, incluso en un solo.
Incluir al público en la presentación siempre, nunca olvidar o ignorar que están allí. Como también estar al tanto de otros bailarines en el grupo.
¿Cómo se puede involucrar al público o los otros bailarines en escena?
Haciendo contacto visual, dirigiendo tu energía a una persona del público o a los demás a tu alrededor y usar o responder la energía que te dan los demás. Quizás ninguna de estas cosas se realizan mucho, o tanto somo sentir y pensar al bailar.
2.- Los ojos lo son todo.
La expresión facial es importante en la danza, pero es algo más que la sonrisa en una actuación.
La expresión facial real y sincera, a menudo tiene que ver más con los ojos que con la boca. Así, en lugar de centrarse en una sonrisa, se sugiere que los bailarines practiquen una expresión abierta con toda la cara, especialmente con los ojos.
Pensar o sentir este concepto es al menos la mitad de la batalla, hay algunas cosas que se pueden hacer en este caso. A medida que uno baila, involucra los musculos de la cara, levantando ligeramente las cejas- no a un extremo comico, pero de una manera que es cómoda y fácil de mantener. Es la misma expresión que la mayoría de la gente utiliza al hacer contacto visual o cuando realmente escuchan a un amigo, o cuando estan hablando con emoción en una conversación. El público responde bien a artistas que utilizan esta técnica.
Verdaderamente VEA, MIRE, TOME el mundo a traves de sus ojos mientras baila.
En cuanto al resto de la cara, ser natural. Mientras que una sonrisa puede ser importante durante ciertos tipos de baile, no corresponde con el estado de ánimo de todos los bailes.
Relajar la mandíbula inferior. Esto mejorará cualquier tipo de expresión, y si es apropiado, hace posible tener una sonrisa con facilidad, que no está pegada a la cara.
3.- Entender la musicalidad
Cada uno tiene una forma diferente de pensar sobre el concepto de musicalidad.
Mientras que el conteo ayuda a los bailarines para ser precisos con sus movimientos, la musicalidad en el baile se expresa a través de mas que contar los ritmos musicales.
Es importante llenar los espacios en la música y en el movimiento, sin dejar que la energía o el intento caigan entre los pasos y conteos.
Siempre es útil tener, al menos, un conocimiento básico de la composición musical o la teoría, pero pensando en lo que uno siente y escucha en la música y aplicar esto en la práctica de la danza es el primer paso para llevar la musicalidad en el baile. De hecho un artista puede ser musical, incluso sin bailar con la música!.
4.- Tiener confianza y estar seguro de sí mismo.
La confianza, es creer y confiar en uno mismo y en la situación.
La confianza en uno mismo y los companeros de baile es el lado práctico de la confianza que viene de la preparación y experiencia. El trabajo que uno pone en los pasos de baile y la coreografía, el tiempo y el esfuerzo que uno pone en la clase, la técnica, la acumulación de experiencia en el escenario o de situaciones en las que hay que improvisar. Estas cosas son las que le permiten a uno desarrollar la confianza.
5.- Hay que ser actores como también bailarines.
Al igual que los músicos entienden la música, los actores entienden el contexto ( la situación, la escena, las condicones, etc) dentro de lo que realizan.
Bailarines, como actores, deben estar familiarizados con el periodo de tiempo o el origen de la danza, entender las emociones de una pieza, o tener una idea de lo que el coreógrafo está tratando de expresar.
6.- Bailar mas alla del Kinesphere.
Kinesphere es una palabra que se usa en la danza que describe el espacio que rodea el cuerpo. Es la burbuja imaginaria que rodea tu marco de quietud y de movimiento. Una vez más, bailar más allá de esta burbuja es algo que hay que imaginar mientras bailas,no necesariamente algo que uno hace.
Moverse con un sentido de dirección o ampliar la energia más allá del kinesphere no solo hará al bailarín mas atrayente. Si se practica durante todas las clases, proyectando la energía más allá de tu alcance, de la punta de los dedos, de los pies, a través de la parte superior de la cabeza, de los ojos, o incluso de cada célula del cuerpo, se puede mejorar la ejecución del movimiento también.
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